À travers les belles calligraphies de Mahmoud Tammam, les mots prennent vie et deviennent instinctivement compréhensibles aux yeux de tous. Grâce à son travail sur chaque mot, le designer facilite la compréhension de l’écriture de la langue arable et rend son apprentissage plus ludique et surtout, plus poétique.

On pourrait le qualifier de « photographe virtuel » ou tout simplement de fin observateur. Mais l’histoire d’Agoraphobic Traveller est un peu plus singulière. Angoissé chronique et agoraphobe, le photographe derrière ce projet ne peut pas assouvir sa passion des voyages. Il parcourt donc Google Street View à la recherche de paysages qui le touchent et qu’il immortalise via des screenshots postés sur son compte Instagram.

Un projet plein de poésie qui nous rappelle pourquoi Internet peut rapprocher les gens et les cultures.

La photographe allemande Candida Hofer aime le vide. Et elle l’aime encore plus quand il s’agit de photographier de célèbres espaces dédiés à la culture, comme le Louvre ou la Scala de Milan. L’occasion de (re)découvrir le pouvoir architectural de ces lieux.

Candida Höfer (1944, Eberswalde) is one of the most prominent classics of contemporary photography, one of a dazzling cohort of Düsseldorf Kunstakademie graduates who studied under Bernd and Hilla Becher. A major international success came to her after she started taking photographs of empty public spaces to capture an elusive connection between people and places where they exist. She explains: “I wanted to capture how people behave in public buildings, so I started taking photographs of theatres, palaces, opera houses, libraries and the like. After some time, it became apparent to me that what people do in these spaces – and what these spaces do to them – is clearer when no one is present, just as an absent guest is often the subject of a conversation”.

For several decades Candida Höfer made architectural “portraits” of numerous treasure-houses across the world: the Louvre, Uffizi Gallery, the Royal Portuguese Library in Rio de Janeiro, La Scala opera-house in Milan, and many others. Along with the works of Martin Kippenberger, Höfer’s interiors represented Germany at the 50th Venice Biennale in 2003.

In the summer of 2014 the artist spent nearly two weeks working in St Petersburg and its suburbs. The photographs she created in Russia build seamlessly on the main architectural and functional preoccupations that so interest her: the visitors will see the Mariinsky Theatre and Yusupov Palace theatre, the palaces of Pavlovsk and Pushkin, the Russian National Library, and, of course, the halls of the Winter Palace itself.

 Born 1986, in eastern France. My works explore human society, with a particular emphasis on man’s conflicting relationships with his surroundings. Without defending a Manichean view, this research takes form of visual narratives but is not of a documentary nature. If a photography series naturally becomes a document, my intention focuses more on perception and the way these places are a reflection of ourselves. By the silent line illustrates how the remains of our urban habitat transformations drift through time and questions the permability between their past and future uses.

Source : Brain

Quand on te connait un peu, tu donnes l’image de quelqu’un de très discret, voire timide… La photographie est-elle pour toi un moyen de t’exprimer en contournant ce trait de caractère ?  

Très timide petite, au point que j’osais à peine dire mon prénom. Heureusement, c’est passé avec le temps. La photographie c’est surtout un instrument d’expression qui fait passer souvent plus que les paroles. Le photographe Christopher Anderson l’exprime très bien : « The act of photography is part of my interface with the world. It is part of how I explain the world to myself. My photography is fundamentally about my experience. So it is important to me in the same way that sleeping is important to dreaming. »

Pourquoi avoir choisi la photographie justement ?

Pour mes études, je suis partie un an à New York. Afin de raconter ma nouvelle vie là-bas à mes proches, je me suis dit que les photos seraient un bon médium. J’ai acheté mon premier réflexe numérique et au gré de mes balades, j’ai appris à dompter cette immense ville et les réglages de mon appareil photo.

À côté de ta carrière de photographe, tu exerces un métier très ancré dans le concret. Comment ces deux activités se nourrissent-elles au quotidien ?

Les deux font un équilibre, la photographie m’apporte de la liberté avec un espace sans contrainte, qui m’appartient tandis que mon métier satisfait l’aspect carré de ma personnalité.

Tes photos ont un grain qui les rendent hors du temps, difficiles à situer d’un point de vue temporel. Pourquoi ce rapport au temps si particulier ?

Car c’est la vie non ? Les mêmes essentiels demeurent à travers le temps : les petits moments de bonheur, les détails qui forgent les souvenirs.

On a le sentiment qu’à une époque où l’information défile à grande vitesse, tu cherches à fixer l’instant dans tout ce qu’il peut avoir de contemplatif… Est-ce la vision que tu souhaites véhiculer à travers tes photos ?

Est-ce que justement ça ne fait pas du bien de prendre un peu le temps ? Ne pas se laisser envahir par tout, ne pas penser à ce qu’il faut faire après.

Tu as dit sur Twitter que tu n’étais pas une photographe qui raconte des histoires, mais qui photographie pour te souvenir. Mais se souvenir, n’est-ce pas un peu raconter une histoire ?  Ou tout du moins, figer un morceau d’histoire ?

Ce n’est pas faux. Cette description vient en fait en rupture de ces photographes qui se disent raconteur d’histoires (storyteller). Ça me semble un peu prétentieux même si je sais qu’aujourd’hui la communication autour de ses photos est plus importante que les images elles-mêmes.

On ressent une certaine mélancolie quand on regarde tes photos. Le souvenir est-il toujours lié à la mélancolie ?

Non au contraire. Quand je regarde mes photos, je souris.

Comment souhaites-tu que tes photos évoluent à l’avenir ?

J’aimerais beaucoup les voir accrochées sur les murs d’une galerie, dans un bar ou même chez les gens.

Retrouvez bientôt Tamara Jullien à travers un mook (entre le magazine et le livre) d’un voyage en Argentine, Bolivie, Pérou. Et sur son site Internet. 

Christophe, peux-tu nous parler de ton parcours et de ton rapport à l’art en général ?

Mon parcours a débuté par la musique, omniprésente dès mon enfance : à la maison, c’était le réveil matin : ça pouvait être les Beatles, du disco, des marches militaires, ou la variété française, classique… tous les styles y passaient, une ambiance sonore permanente qui a façonné mon oreille. Ensuite, j’ai été très vite attiré par le cinéma. J’avais tapissé ma chambre avec ces photos extraites de films que l’on voit à l’entrée des cinémas.

Cet univers riche et éclectique a alimenté mon imaginaire au quotidien et m’a poussé naturellement vers l’envie de créer mon propre univers via la musique et c’est comme ça qu’à 14/15 ans j’ai commencé à apprendre la guitare en autodidacte.

Mon rapport à l’art est du même « terroir » : autodidacte au début, basé sur les sens, la perception immédiate d’un média. J’ai eu la chance de faire des Rencontres qui m’ont éclairé et permis d’enrichir mes besoins créatifs. Et mon rapport prédominent à l’art est celui-ci : le besoin créatif.

Tu as commencé comme musicien avant de passer à la photo. Qu’est-ce qui a provoqué ce changement de cap ?

L’ambiance musicale est très importante. J’entends par là la force avec laquelle une musique transmet une situation, un état d’esprit… Je suis très touché par ces musiciens qui transmettent leur vécu, leurs anecdotes de vies à travers la musique. À mon sens, ils apportent une identité musicale propre, authentique… une ambiance unique. La musique de film est très proche de tout ça pour moi. Des compositeurs tels que Gabriel Yared, Michael Nyman, Danny Elfman, mais aussi les ambiances musicales des films de Jarmush, Cassavetes, Cronenberg et j’en passe, m’ont beaucoup inspiré, imprégné… Tout cela générant de l’imaginaire sonore certes, mais aussi visuel.

D’où vient cette passion pour la photo, pour l’image ?

C’est une passion qui est venue sur le tard. Comme je te le disais tout à l’heure, l’image-film a bercé mon enfance. J’habitais dans une cité difficile de la région parisienne et cette ambiance extérieure qui m’a aussi inspiré, qui a généré de la créativité était parfois lourde et le cinéma et la musique ont permis d’alimenter un besoin d’ailleurs. J’ai décidé assez jeune de mettre les voiles, d’aller voir autre chose et de fil en aiguille, je suis parti vivre à Londres en 1999. C’était une autre culture, une autre langue, une nouvelle architecture, tous ces nouveaux visages…c’est à ce moment que la passion photographique est née, j’avais 30 ans…

Tu nous as raconté que tu n’avais pas pris de photos pendant des mois et qu’en arrivant à New York, tu avais ressenti l’urgence de capturer la ville. Comment expliquer ce sentiment ?

Oui… J’étais à sec ! Un Sec créatif !

Je pense que l’arrivée de mes enfants en est la source. Des jumeaux pour commencer une vie parentale, c’est chaud et ça a demandé un changement radical de mon style de vie. Je me suis consacré à eux les premières années tout en continuant à photographier, mais l’essence créatrice s’est tarie au fur et mesure du quotidien. Je suis arrivé à ne plus avoir d’appareil photo…

Et puis après quelques voyages dans les capitales européennes, l’idée de New York s’est présentée.

Une des villes les plus photographiées du monde, certes, mais surtout un océan à traverser et étant très imprégné de culture musicale et filmographique américaine, c’était le voyage à la source de tout cela. J’ai loué du matériel photo et intrinsèquement, profondément je me suis juré que rien ne pourrait m’empêcher de faire les photos que je veux. J’entends par là d’aller au bout de mon besoin sensuel de photographier ce qui me touchait, m’inspirait à l’instant T. Une vraie boulimie s’est développée et j’ai découvert une nouvelle façon d’appréhender mes photos. Plus viscérale, plus attentive.

J’ai découvert pendant ce voyage que ce qui me touche le plus ce sont les gens, leur vie… J’ai essayé de percevoir leur quotidien. Dans une ville comme New York, l’ambiance est très forte et je me suis laissé imprégner par cette atmosphère.

Qu’as-tu ressenti en reprenant ton appareil ? De la crainte ou au contraire un sentiment salvateur ?

Un peu de crainte, oui, d’un point de vue technique, dextérité. Comme un musicien qui n’a pas parcouru le manche de son instrument depuis des mois, mais le plaisir de tenir à nouveau mon « instrument » dans les mains a tout surpassé. Je shoote avec du Nikon depuis le début et pour partir j’ai loué un D810. Je ne connaissais pas ce boitier, mais la rencontre s’est bien passée ! Je ressens un vrai parallèle entre un instrument de musique et un appareil photo, peut-être pas au point de dormir avec mon boitier comme j’ai pu dormir avec ma guitare, mais l’aspect sensuel de ce rapport est réel.

Donc oui un énorme plaisir de retrouvailles !

Comment expliquer que l’envie peut s’enfuir à un moment et réapparaitre soudainement ?

Je croyais (et je parle pour moi) qu’il fallait être vigilant, attentif dans le bon sens du terme à son « réservoir » créatif. Qu’il était vital de l’alimenter régulièrement afin de disposer d’inspiration. Le fait est que l’Envie en dispose. C’est ce que j’ai appris après cette période de sécheresse.

Aujourd’hui, crains-tu que cette envie s’échappe encore ou es-tu préparé à ce que cela puisse arriver ?

Il se peut que cela arrive à nouveau… Très bien… J’y suis mieux préparé !

Après cette série dédiée à New York, quels sont tes prochains projets ?

Après cette exposition à Paris, j’aimerai que cette série vive dans d’autres galeries. Peut-être qu’elle vienne dans le sud à Nice où je vis, ou alentours. En tous cas qu’elle vive !

J’ai terminé un reportage dans ma région sur une usine de retraitement des déchets. Pas très glamour, mais extrêmement intéressant. J’ai voulu photographier leur quotidien : les 3/8, les produits chimiques, la poussière, leur capacité de savoir qu’ils font un travail nécessaire : cette usine permet à plusieurs milliers de foyers à proximité d’obtenir électricité et chauffage.

Ensuite, je souhaite créer un projet autour du travail du personnel humanitaire, un reportage sur le moyen long terme. Photographier ces quotidiens confrontés à leur situation contextuelle.

Pour retrouver le travail de Christophe Poyer, c’est par ici.

Exposition actuelle chez 6t

Le photographe Laurent Baheux nous fait visiter le Montana, le Wyoming, la Californie et le Colorado à travers sa série « Black and White Wild America ». À travers cette série en noir et blanc, le désert prend une tout autre dimension, plus mystérieuse et plus fascinante.

Hypnotique, surprenant… tant de qualificatifs qui peuvent décrire les incroyables photos de Paris de Pierre-Louis Ferrer. Les verts deviennent blancs et les bleus se grisent pour un effet irréel.

]]> https://www.spanky-few.com/2017/06/08/pierre-louis-ferrer-paris-en-infrarouge/feed/ 0 https://www.spanky-few.com/2017/06/06/concours-dart-contemporain-urbain-a-pessac/ https://www.spanky-few.com/2017/06/06/concours-dart-contemporain-urbain-a-pessac/#comments Tue, 06 Jun 2017 07:28:04 +0000 http://www.spanky-few.com/?p=14247 Pour la sixième année consécutive, la ville de Pessac (Gironde) organise un concours national d’art contemporain urbain.

Cette nouvelle édition aura pour thème « 20 ans, t’as Vu! ». Un bon moyen de regarder ce qui se passe dans le street art depuis 20 ans et de revenir aux sources pour les artistes amateurs ou semi-pro qui participeront à ce concours qui aura lieu du 31 octobre au 5 novembre 2017. Notons que cet événement s’inscrit dans le cadre des Vibrations Urbaines 2017, un festival urbain incontournable depuis 1998.

Et au passage, on peut découvrir l’artiste Jaen, qui a conçu l’affiche du concours.

Modalités du concours